Cinello Unlimited - Edizione 2020

La cover di GQ nasce dalla volontà di rappresentare il sottile confine che separa il reale dal virtuale. Grazie alla carta lenticolare, che induce una mutazione repentina dell’immagine, si è potuto creare il passaggio visivo tra l’estetica maschile del passato - simboleggiata dal David di Michelangelo - e quella del presente - simboleggiata dal modello italiano più celebre al mondo: Pietro Boselli. Il video contiene immagini del servizio moda tridimensionale, di cui Boselli è protagonista, girato in 3D a Londra in collaborazione con Builders Club. È la prima volta che un magazine print scatta e gira un servizio fashion in 3D campionando il corpo del modello con un calco digitale.

“Te la do io l’arte” è la trasmissione di Radio RAI UNO dedicata all’arte contemporanea condotta da Nicolas Ballario. Un approfondimento settimanale che ha come obiettivo quello di spiegare in modo semplice l’arte contemporanea al grande pubblico. La puntata più rappresentativa (e candidata a Cinello Unlimited) è andata in onda a giugno 2020. Tra gli argomenti trattati: la percezione dell’arte, attraverso un assurdo sondaggio che dice che per la gente quello dell’artista è il mestiere più inutile; l’incredibile vita di Tracey Emin, straordinaria artista non abbastanza conosciuta al grande pubblico, diventata un simbolo per tutte le donne, attraverso una storia fatta di alienazione, abusi, violenze, ma anche di incredibili successi nel segno dell’arte; poi un’intervista a Vincenzo de Bellis, curatore del Walker Art Center di Minneapolis: dalle sue parole viene descritta la partecipazione attiva del mondo dell’arte alle proteste legate al movimento Black Lives Matter', mostrando anche in Italia che l’indignazione nata dopo la morte di George Floyd ha visto persino un museo in prima linea.

Il critico d’arte Luca Beatrice, firma del Giornale e curatore del padiglione Italia 2009 alla Biennale di Venezia, analizza il cambiamento di linguaggio che intercorre tra fisico e digital. Passata la pandemia e i suoi effetti, quale futuro attende i musei e i luoghi della cultura? Si ipotizzano nel contributo tre scenari. Il più probabile, quello per il quale buona parte delle regole andranno riscritte. Si, ma come? E soprattutto, quale sarà il rapporto tra la tradizionale forma di fruizione e l’incedere necessario dei nuovi strumenti virtuali, che peraltro ci hanno salvato la vita negli ultimi, tragici mesi.

exibart Live! Magazine è un progetto di trasformazione di un magazine d’arte: da giornale on paper e web a LIVE! per rispondere alle nuove necessità del nostro tempo. Il progetto si divide in tre capitoli: (1) Exibart.livetalks, “dirette instagram” a cadenza trisettimanale, dalla metà di marzo alla fine di maggio ‘20. Le interviste di exibart. livetalks sono state successivamente trasformate in podcast e rese scaricabili e ascoltabili gratuitamente tramite il sito e dal profilo spotify della rivista; (2) Exibart 108 (estate 2020): il primo numero online completamente interattivo. Attraverso il software Flash Player, exibart 108 è stato realizzato addizionando ai tradizionali articoli una serie di interviste ascoltabili attraverso podcast, video, gallery fotografiche a scorrimento e link di rimando ad altre pagine web. (3) La Rana (dicembre 2020): è in corso di pubblicazione un format intitolato “La Rana”, sul canale youtube nonché sul sito di exibart. Attraverso la piattaforma ZOOM sono realizzate in presa diretta dieci video-interviste con l'intenzione di dare spazio a pensieri critici sulla situazione italiana.ergamini

Stefano Bucci ha preso in esame sulle pagine del Corriere della Sera l’emergenza legata al coronavirus attraverso una riflessione sulle città, prima spogliate degli abitanti a causa del lockdown, poi rianimate con qualche titubanza; allo stesso modo si è imposto un modo nuovo di abitare gli spazi pubblici: all’aperto come piazze e strade; chiusi come scuole, teatri e anche ospedali. Renzo Piano è l’architetto-totale (ma ama definirsi anche architetto-condotto, come il medico umanista di una volta) che più di tutti ha ripensato i rapporti tra città — centro e periferie — e campagna, tra urbanizzazione e natura. In questa lunga conversazione con «la Lettura», summa e manifesto della sua riflessione intellettuale, alla vigilia dell’inaugurazione del ponte di Genova, svela una visione urbanistica (cioè felicemente politica) dell’Europa: non più continente, ma «una città unita» da idee e trasporti, reti ferroviarie e reti del pensiero.

L'articolo pubblicato da Germano D’Acquisto (storica firma di MarieClaire per il settore arte) su Rivista Studio prende in esame la generazione più colpita, psicologicamente e non, dalla pandemia. E’ quella dei Boomer, i nati immediatamente dopo la fine del secondo conflitto mondiale. Tra privilegi e contraddizioni sono proprio queste persone, eternamente giovani e lontane dai drammi dei loro genitori, ad aver patito per la prima volta sulla loro pelle una tragedia globale, quella del Covid 19.

L’articolo “Per la gallerie la pandemia era iniziata prima”, su “Il Giornale dell’Arte” n. 409, luglio-agosto 2020, fa parte dei corsivi che in ogni numero della testata di cui è vicedirettore Fanelli dedica alle molteplici sfaccettature del sistema dell’arte contemporanea. Il pezzo in questione evidenzia come l’attuale emergenza sanitaria abbia colto le gallerie d’arte moderna e contemporanea in una fase di “crisi identitaria” e come il supporto digitale si fosse rivelato, ben prima della pandemia, un necessario strumento e “codice espositivo”, oltre a fornire il necessario supporto per l’economia delle stesse gallerie. Il digitale, dunque, non come “sostituto” ma come nuovo canale destinato, anche a emergenza rientrata, ad affiancare sempre più l’attività espositiva e collezionistica.

La redazione di THE VISION propone come sempre un articolo corale (a cui collaborano diverse persone insieme) a carattere di inchiesta e ricerca, per stimolare la riflessione nell’ecosistema digitale. I successi e i riconoscimenti dei ricercatori in campo umanistico all’estero fanno notizia, perché in Italia non siamo abituati a pensare alle cosiddette scienze umane come a qualcosa di utile per la vita quotidiana, né tantomeno di spendibile sul mercato del lavoro. Questa scarsa considerazione è frutto di una netta separazione dei saperi, di un dibattito politico nel quale trattare con disprezzo gli intellettuali è normale e di anni di disinvestimenti nella ricerca, specialmente nelle materie umanistiche.

La cultura oggi resta però essenziale, non solo come bagaglio personale dei singoli, ma anche come strumento per la vitalità della società stessa e di difesa della democrazia.

Pubblicato su exibart il 3 novembre 2020 il pezzo di Perra è dedicato a Peter Weibel, artista, direttore scientifico/artistico e presidente del Zentrum für Kunst und Medientechnologie di Karlsruhe, Germania. Un articolo introduttivo e una lunga e approfondita intervista in cui il direttore del ZKM — tra i più importanti e prestigiosi spazi dedicati all'arte e alle nuove tecnologie al mondo — racconta come il suo Centro d'Arte ha risposto al lockdown e alla pandemia, di quali possono essere le strategie future da adottare per i musei in un'epoca iperconnessa, a che punto è la ricerca  nell'ambito dell'arte e dei nuovi media e dei pro e contro di Internet e dei social media.

Il Direttore di Artribune ha raccolto una serie di tweet e post sui social network per provare a capire come gli artisti hanno reagito on line alla pandemia. Proprio questa categoria, che normalmente viene chiamata in causa per interpretare il futuro, sembra non sia stata in grado di districarsi dal fenomeno delle fake news e sia rimasta incapace di farsi un’idea critica corretta sull’andamento degli eventi.

Mi chiamo Roberta Moglan , ho venti anni e attualmente sto studiando "concept art" alla "The Sign Academy" di Firenze, cui obbiettivo del corso è di formare concept artist esperti nel visual development 2D e 3D per l’industria del videogioco italiana ed estera.
Per "concept art" (totalmente differente "dall'arte concettuale") si intende una "comunicazione fra due mondi": il mondo delle idee e quello del segno grafico, pertanto un concept artist non è altro che un traduttore di uno o più concetti.
Solitamente la "concept art" viene principalmente impiegata per film, quasi sempre fantasy o sci-fi, e nel campo dei videogiochi per la realizzazione di character, background, oggetti di scena, storyboard e tutto quello che ne compete.

La formazione di un "concept artist" parte dalle basi tradizionali di anatomia e prospettiva fino a portare queste ultime conoscenze nel digital painting e nella digital sculpting, utilizzando programmi quali "adobe photoshop" e "zbrush". L'obiettivo finale di ogni anno, per quanto riguarda la mia Accademia, è quello di riuscire ad unire queste due conoscenze e di lavorare a stretto contatto con designer e 3d artists al fine di creare un prodotto artistico coerente dalla fase di concept, alla produzione di in-game fino alla realizzazione della promo art, ovvero un videogioco finito e completo di copertina, pronto per essere messo su un possibile mercato o piattaforma.

Il traguardo principale però, è ovviamente quello di riuscire a trovare un proprio stile, capace di essere facilmente e immediatamente riconoscibile, anche se ad oggi è una vera e propria sfida con se stessi.
Nei lavori che creo cerco sempre di far focalizzare l'attenzione su uno o al massimo due soggetti, in una situazione dove i contrasti di luce e di ombra siano il fulcro di quello che la scena vuole esprimere. Non ci sono significati particolari dietro, perlomeno non in questi studi, poichè il mio fine era quello di trasmettere per ognuno un "mood" differente.

Nei primi tre ricorre particolarmente il colore blu il quale assume per tre volte un significato differente, se nella prima rappresenta la paura di ciò che si cela negli abissi nella seconda, attraverso il forte contrasto di luce, rappresenta una solitudine interiore che viene vinta, o potremmo vederla come "il bene che vince sul male". Nell'ultimo invece non vi è alcuna "storia" ma è una semplice illustrazione del piumaggio di un corvo.

"Diana" invece è la classica "Gioconda", un'opera alla quale il lettore può e deve dare una propria interpretazione. Il rosso può rappresentare rabbia, forza o passione, accostato a colori caldi come l'arancione talvolta può anche essere sinonimo di una sottile tristezza, ciò che però la ragazza vuole raccontare sta solo allo spettatore capirlo.

 

L’idea per una Skill Alexa della Triennale di Milano è nata dall’esigenza di comunicare in maniera più efficace le numerose iniziative proposte da quest’istituzione e per coinvolgere ulteriormente il pubblico. La possibilità di chiedere ad Alexa informazioni sul fitto programma di eventi e attività proposto da Triennale consente all’utente di conoscere a fondo e godere della ricca programmazione offerta. La Skill può essere utilizzata per fornire informazioni sulle mostre in corso, sugli oggetti presenti nella collezione permanente e sulle figure che ne hanno fatto la storia. Inoltre, questo strumento consente di creare visite guidate virtuali mediante l’utilizzo integrato di schermi o di dispositivi Amazon Echo Show e progetti sviluppati da artisti e performer in esclusiva per Alexa e pensati unicamente per questo strumento.

Quest'opera fa parte della serie Dysphoria, nel quale il mio intento è quello di esplorare e analizzare flussi di energia mentale corrosi e disfunzionali e il loro disforico rapporto con il contesto ambientale e sociale. Isolamento, costrizione e alienazione costringono il cervello, al limite del collasso, ad arricchire e amplificare l'angusta realtà a disposizione tramite visioni e illusioni multisensoriali. In questo progetto, la serie Dysphoria si insinua in un infantile viaggio onirico. Fobie, paure e paranoie prendono forma rivelando glitch psicoemotivi, le cui ripercussioni generano rapporti disfunzionali con l’ambiente esterno tramite distorte modalità di pensiero e di azione che invadono l'inconscio. Nota per la fruizione dell’opera tramite Youtube: È possibile ruotare la visione premendo e trascinando con il mouse/dito sul video oppure ruotando lo smartphone.

Cielo grigio assorbito in un quieto tornado di note vibranti di Vita. Più di tutto ricordo il Futuro di una sedia Vuota che è a dondolo ed io sono sempre in movimento ma non avanzo di un passo. -Teresa Curotti

Untitled n.4 è un progetto (condiviso con tre mie compagne di corso in Arti Visive presso l'ateneo bolognese) nato su Instagram nell'agosto 2020. Si tratta di una pagina divulgativa dedicata all'arte contemporanea che ha l'obiettivo di rendere comprensibile a tutti questo straordinario ma spesso poco apprezzato mondo. I temi affrontati dalla pagina verranno successivamente rielaborati tramite podcast. Il nome si ispira alla tendenza della metà del '900 in cui le opere d'arte vengono private di titoli descrittivi e poetici. L'arte non vuole essere più figurativa: trova nuove forme; nuovi materiali e nuove tecniche.